Рассылка Утопии
Изучаем феномены насилия, абьюза и гендерных различий со всех сторон. Читайте первыми главные новости по теме и наши новые тексты.

Нет иноагентов, есть журналисты

Данное сообщение (материал) создано и (или) распространено
средством массовой информации, выполняющим свои функции

Не только музы. Знаменитые российские художницы и почему их так мало

Зинаида Серебрякова, «Беление холста»
ПО МНЕНИЮ РОСКОМНАДЗОРА, «УТОПИЯ» ЯВЛЯЕТСЯ ПРОЕКТОМ ЦЕНТРА «НАСИЛИЮ.НЕТ», КОТОРЫЙ, ПО МНЕНИЮ МИНЮСТА, ВЫПОЛНЯЕТ ФУНКЦИИ ИНОСТРАННОГО АГЕНТА
Почему это не так?

Кратко

Под большинством произведений искусства в российских музеях стоят фамилии мужчин. Женщины-художницы внезапно появляются лишь в XX веке. Почему расцвет женской живописи пришелся именно на это время? «Утопия» отвечает на этот вопрос и вспоминает выдающихся представительниц отечественного искусства.

Веками женщины не могли учиться живописи профессионально — у них не было доступа к учебным заведениям. В России ситуация начала меняться лишь в 30-е годы XIX века, когда они получили возможность быть вольными слушательницами в образовательных художественных учреждениях. 

В 1839 году при Императорском обществе поощрения художеств появились рисовальные классы, а через три года в Петербурге открылись женские вечерние классы в Санкт-Петербургской рисовальной школе для вольноопределяющихся. Вольными слушательницами в Московском училище живописи, ваяния и зодчества стали Антонина Ржевская и Эмилия Шанкс — они были единственными женщинами, принятыми в сообщество передвижников. В 1873 году в петербургской Академии художеств разрешили заниматься в одних классах и девушкам, и юношам. Но стать полноправными студентками женщины смогли лишь в 1893 году.

Мария Башкирцева

Мария родилась в 1858 году в имении Гайворонцы Полтавской губернии. Когда ей было 12, вместе с матерью они переехали в Европу. Несколько лет они кочевали по знаменитым курортам: Ницца, Неаполь, Баден-Баден.

Несмотря на способности к рисованию, Мария мечтала стать профессиональной певицей. Ее мечту разрушила болезнь — когда девушке было 16, она заболела туберкулезом. Тогда Мария твердо решила стать художницей и в 1877 году поступила в академию Родольфо Жюлиана в Париже. Уже через 11 месяцев ее работы представили на Салоне и удостоили золотой медалью. Интересная глава ее жизни — у Марии был роман в письмах с писателем Ги де Мопассаном. 

Мария Башкирцева «Дождевой зонтик»
Мария Башкирцева «Дождевой зонтик», 1883 г., Русский музей

С 12 лет Мария вела дневник, который сделал ее по-настоящему знаменитой уже после смерти. Записи перевели на несколько языков, а одной из главных его поклонниц стала Марина Цветаева. Поэтесса даже посвятила Башкирцевой и ее дневнику первый сборник стихов «Вечерний альбом». Среди других почитателей ее дневника были Велимир Хлебников и Валерий Брюсов. 

Мария умерла от туберкулеза, когда ей было всего 25 лет. В мавзолее, где она захоронена, хранятся ее мольберт, скульптура и картины.  

Елена Поленова

Елена Поленова — сестра знаменитого живописца Василия Поленова. Она родилась в 1850 году в Санкт-Петербурге. Елена стала одной из родоначальниц модерна в русской живописи и одной из первых художников-иллюстраторов детской книги. 

В семье Елены был домашний учитель рисования — студент Академии художеств Павел Чистяков. Она будет всегда называть его главным педагогом в жизни. В 14 лет Поленова поступила в Санкт-Петербургскую рисовальную школу Общества поощрения художеств (ОПХ), где её наставником был Иван Крамской. В 19 лет Елена отправляется в Париж и поступает в студию Шарля Шаплена

Во время русско-турецкой войны Поленова встречает свою первую и единственную любовь — врача Алексея Шкляревского. Ее родители выступают против брака, Елена отчаивается и решает посвятить жизнь искусству. 

В 1878 году она возвращается к обучению в Школе Общества поощрения художеств, занимается в двух классах: акварельном и керамическом. За работы по керамике она получила несколько медалей и деньги на поездку в Париж — это был исключительный случай, обычно женщины пенсионерских денег не удостаивались. 

В Париже Поленова училась в керамической мастерской русских художников и у французских мастеров. После возвращения в Россию она открыла класс майолики, где преподавала живопись по фарфору. 

Елена Поленова «На дворе зимой»
Елена Поленова «На дворе зимой», 1885 г., Государственная Третьяковская галерея

В 1882 году Елена переезжает в Москву, где знакомится с семьей Мамонтовых и входит в знаменитый Абрамцевский кружок Саввы Мамонтова. В 1885 году вместе с женой Мамонтова Елизаветой они организуют мастерские для обучения крестьян традиционным русским ремеслам.

Сама Елена создавала и акварельные пейзажи, и костюмы для спектаклей, и эскизы для вышивки и обоев, и орнаменты для икон. Она много путешествовала по деревням, интересовалась фольклором, рисовала уникальные эскизы мебели и предметов утвари. 

Одна из ее главных заслуг — иллюстрации для детских книг. Она проиллюстрировала сказки: «Дед Мороз», «Волк и лиса», «Иванушка-дурачок», «Избушка на курьих ножках». При ее жизни вышла лишь одна книга — «Война грибов», для которой она разработала весь макет, в том числе шрифт, орнаментальные вставки и иллюстрации.

Поленова умерла после болезни, когда ей было всего 47. При жизни она участвовала в выставках Московского товарищества художников, Товарищества передвижников и «Мира искусства». Долгое время Елена оставалась в тени знаменитого брата, лишь в 2011-2012 годах прошла ее первая большая персональная выставка в Третьяковской галерее.

Варвара Степанова

Варвару называют «амазонкой русского авангарда». Она родилась в Ковно (сейчас это Каунас, Литва) в 1894 году в семье чиновника. Вскоре семья переехала в Казань, где Варвара поступила в Казанскую художественную школу. Там она познакомилась с Александром Родченко — в будущем он станет ее мужем и одним из самых знаменитых деятелей искусства XX века. Школу Варвара не закончила — переехав в Москву, она начала работать бухгалтером, затем машинисткой, библиотекарем, секретарем. Живопись при этом не бросила — занималась в студии Константина Юона и посещала студию графика Михаила Леблана. В 1916 году вместе с Александром Родченко они открыли собственную творческую мастерскую. 

Варвара увлеклась визуальной поэзией — она сама писала стихотворения в футуристическом стиле и изображала их так, чтобы настроение и ритм текстов передавали буквы разных цветов и размеров, яркий фон и графика. Степанова стремилась передать через рисунок, как звучит стихотворение. Она от руки создавала стихотворные сборники, так как типографии ее творчество не принимали — неформат. 

В 1917–1919 годах Степанова выпустила рукописи «Гауст Чаба», «Ртны хомле», «Зигра ар» и «Глоболкым». В одной из них она вместо фона использовала газетные листы, нанося на них текст гуашью. В 1919 году художница оформила сборник «Глы-глы» поэта Алексея Крученых: она соединила в нем газетные вырезки, аппликации из цветной бумаги и рукописный текст. В том же году коллажи из этой книги и четыре страницы из «Ртны хомле» представили на V Государственной выставке картин в Музее изобразительного искусства. 

Также она создала серию «Фигуры», где при помощи геометрических фигур изобразила людей в движении.

Варвара Степанова «Три фигуры. Музыканты. №23»
Варвара Степанова «Три фигуры. Музыканты. №23» 1920 г., ГМИИ имени А.С. Пушкина

В 1921 году Степанова вместе с Александром Родченко и художником Алексеем Ганом создали Рабочую группу конструктивистов: они предлагали объединить искусство с промышленным производством. Тогда же  художница приняла участие в выставке конструктивистов «5 × 5 = 25».

Вскоре Варвара увлеклась дизайном и создала несколько принтов для фабрики одежды, которые стали очень популярны. Мужские и женские фасоны, созданные Степановой, практически не отличались: так сглаживались гендерные и социальные различия.

Помимо этого она занималась редактурой журналов, создавала декорации для театра и кино и агитационно-политические журналы. В последние годы своей жизни Степанова была дизайнером журнала «Советская женщина».

Ольга Розанова 

Еще одна «амазонка русского авангарда» родилась в 1886 году во Владимирской губернии. В 1905 году она переезжает в Москву, чтобы получить художественное образование, посещает Училище живописи и скульптуры Анатолия Большакова и школу Константина Юона. В 1911 году Розанова вступает в петербургское общество «Союз молодежи» и начинает писать в стиле неопримитивизма и фовизма. Ее картина «Портрет А.В.Розановой» производит фурор в творческой среде и печатается в журнале «Огонек» по соседству с работами Казимира Малевича.

В 1913 году она становится членом комитета «Союз молодежи» и пишет манифест организации: «В беспрерывном обновлении будущее Искусства!» Тогда же она постепенно начинает переходить от фовизма к футуризму. В 1914 году Ольга участвует в римской Международной свободной футуристической выставке. Затем ее работы выставляются на знаменитых выставках «Первая футуристическая выставка “Трамвай В”» и «0,10». Там выделяют ее алогистические работы, в которых супрематизм соединяется с элементами кубофутуризма. 

Ольга Розанова «Портрет сестры, Анны Владимировны Розановой»
Ольга Розанова «Портрет сестры, Анны Владимировны Розановой», 1912 г., Екатеринбургский музей изобразительных искусств

В 1915-1916 годах она создает графические композиции для заумных стихов поэта-футуриста Алексея Крученых, которые он называет заумной живописью. В тот же период она пишет супрематические полотна, которые высоко ценил и основоположник направления Казимир Малевич. Розанова вступает в его общество «Супремус», становится секретарем организации и одноименного журнала. Начинает работать с цветописью и создает свой главный шедевр — «Зеленую полосу». Это полотно выходит за рамки всех существовавших тогда направлений, Розановой удается создать что-то поистине уникальное. Но до 1970-х годов эта картина вместе с ее автором будет предана забвению.

Вскоре после написания «Зеленой полосы» Ольга Розанова умирает от дифтерии в петербургской инфекционной больнице. Ей было всего 32 года.

Зинаида Серебрякова

Зинаида Серебрякова (при рождении — Лансере) родилась в 1884 году в имении Нескучное под Белгородом. Ее мать Екатерина Лансере была художником-графиком, отец Евгений — скульптором-анималистом. Среди близких семьи тоже было много творческих людей, а одним из первых учителей был Александр Бенуа.

Первыми работами художницы стали пейзажи, на которых она изображала родные места в Малороссии, сейчас это Белгородская область. В 1900 году Серебрякова поступила в Академию художеств в Петербурге. Учеба там ей не понравилась, она стала заниматься в художественной школе княгини Марии Тенишевой и посещать мастерскую художника-портретиста Осипа Браза. Вскоре, после путешествия по Италии, Зинаида решает учиться живописи самостоятельно, без наставников.

В 1905 году она выходит замуж за своего двоюродного брата — Бориса Серебрякова. Они отправляются в Париж, где художница берет несколько уроков живописи в легендарной Академии де ла Гранд Шомьер. Затем они возвращаются в родовое имение, Серебрякова воспитывает детей и пишет картины, вдохновляясь природой и крестьянским бытом. Одна из самых известных работ этого периода — этюд «Уборка хлеба». Две другие ее работы «За туалетом» и «Зеленя осенью» в 1908 году показали на выставке «Мир искусства» и получили хвалебные отзывы критиков. 

Еще одна важная работа этого периода — ее творческого расцвета — «Баня». На ней изображен обычный банный день крестьянок — сейчас эта картина могла бы стать символом бодипозитива.

Зинаида Серебрякова «За туалетом. Автопортрет»
Зинаида Серебрякова «За туалетом. Автопортрет», 1909 г., Государственная Третьяковская галерея

Еще одна известная работа Серебряковой «За завтраком», через нее она по-новому открыла жанр детского портрета в русском искусстве. В 1917 году она напишет картину «Беление холста» (она стоит заглавной иллюстрацией к этому тексту) — в изображенных на ней женщинах, по замыслу Серебряковой, заключается душа вечной России. 

В начале 1919 года семья переезжает в Харьков. В этом же году от тифа умирает муж Зинаиды Борис — она остается одна с четырьмя детьми на руках. Но живопись не бросает. Вскоре Серебряковы перебираются в Петербург, где Зинаида напишет чудесную балетную серию из закулисья Мариинского театра. 

В 1924 году Зинаида оставляет мать и детей и уезжает во Францию. Эмиграция затянется на 43 года. Ей удастся побывать в Марокко, где она создаст несколько прекрасных этюдов. 

В 1965 году в Советском Союзе откроется сразу три выставки Серебряковой — в Москве, Киеве и Санкт-Петербурге. Тогда художнице было уже за 80 — ее настигла настоящая слава, музеи скупали картины, альбомы выпускались миллионными тиражами. Через два года Зинаида Серебрякова уйдет из жизни, так и не вернувшись в Россию. Ее похоронят во Франции.

Любовь Попова

Любовь Попова родилась в Московской губернии в 1889 году в богатой купеческой семье. Ее отец был покровителем искусств, а среди родственников по линии матери было множество деятелей культуры, историков и коллекционеров. В 1907 году девушка поступает в студию Станислава Жуковского, а затем переходит в частную художественную школу Константина Юона и Ивана Дудина. Вскоре художница отправится в Италию, где возьмет несколько уроков живописи. Попова много путешествует и по России, что оказывает влияние на ее творческую манеру: она обращает внимание на работы древнерусских мастеров. Также она изучает французскую живопись, некоторые ее работы вдохновлены творчеством Сезанна, где-то слышны отголоски готического искусства. 

Значимым этапом в творческом развитии художницы стала поездка в Париж в 1912 году. Там она знакомится с кубизмом, который вскоре занимает центральное место в ее работах. Летом 1913 года Попова создает кубофутуристическую серию композиций с обнаженными фигурами, в которой французский кубизм сплетается с русским авангардом. В 1914 она выставляется вместе с «Бубновым валетом» и вскоре снова отправляется в путешествие по Италии.

Любовь Попова «Пространственно-силовая конструкция»
Любовь Попова «Пространственно-силовая конструкция», 1921 г., Государственная Третьяковская галерея

Художница активно занимается кубофутуризмом, создавая, в первую очередь, натюрморты и портреты. Постепенно она приходит к собственному варианту беспредметной живописи, в котором сочетаются и принципы древнерусской живописи, и приемы авангарда.

В 1916-1917 году она участвует в создании общество «Супремус» под предводительством Казимира Малевича. В 1918 выходит замуж за историка искусства Бориса фон Эдинга — через год он умрет от тифа. Попова долго не может прийти в себя и вернуться к работе. В 1921 году она создает цикл «Пространственно-силовых построений» — это будет ее последняя работа. Она оставляет занятия живописью и начинает преподавать. 

Попова сближается с конструктививстами и участвует в их выставке «5 × 5 = 25». С 1923 года начинает заниматься производственным искусством — работает в полиграфии, делает эскизы тканей, проектирует одежду. Любовь также будет работать с декорациями и станет одной из создательниц театрального конструктивизма. Она скоропостижно скончается от скарлатины в 1924 году в возрасте 35 лет.

Александра Экстер 

Экстер родилась в 1882 году в Гродненской губернии, ее детство и юность прошли в Киеве. Она закончила Киевское художественное училище, где познакомилась среди прочих с Аристархом Лентуловым. Во время учебы Александра выходит замуж за двоюродного брата, адвоката Николая Эстера.

В 1907 году Экстер отправляется в Париж, где посещает парижскую академию Гранд-Шомьер и знакомится с Павлом Пикассо и Гийомом Аполлинером. Художница много путешествует по Европе, выставляется на родине и в парижских Салоне Независимых, а также принимает участие в легендарной выставке «Золотое сечение». 

Александра становится инициатором первых выставок «Современного декоративного искусства» в России. В 1914 году она участвует в «Первой международной футуристической выставке», организованной галереей Джузеппе Спровьере в Риме. Ее работы высоко ценятся во французских модернистских кругах. 

В своих работах она все больше склоняется к абстракционизму. Весной 1915 она принимает участие в радикальной авангардистской выставке «Трамвай В», организованной Казимиром Малевичем в Петрограде. На ней были представлены четырнадцать масштабных кубофутуристических полотен и несколько городских пейзажей — футуристическое видение «Флоренция», «Синтетическое изображение города» и «Парижские бульвары вечером». Тогда же она вступает в объединение «Супремус». 

Александра Экстер «Венеция»

Александра Экстер «Венеция», 1918 г., Государственная Третьяковская галереяЕе творчество было поистине уникальным — находясь далеко от Москвы, она практически избежала влияния обществ и других художников и выработала свой язык живописи. Она разрабатывает множество композиционных решений, цвета на ее картинах взаимодействуют друг с другом, вопреки принципу супрематизма. 

В 1917 году Экстер открывает собственную студию в Киеве, которая становится настоящим центром авангарда в городе. Тогда же случается ее настоящий триумф в Москве — на выставке «Бубнового валета» два зала полностью заняты ее работами. В 1920 она сбегает в столицу, участвует в конструктивистской выставке «5 × 5 = 25», ее работы представляют в Берлине и на Венецианской биеннале.

Помимо прочего Экстер занимается оформлением спектаклей, книг, создает эскизы для парадной формы Красной армии. В 1924 году она эмигрирует в Париж, где остается до конца своей жизни. Во Франции она сосредотачивается на работе в театре, ее работы продолжают выставляться в разных европейских городах. В 1930-40х Экстер занимается оформлением рукописей. В 1949 году она скончалась под Парижем. 

Наталья Гончарова

Родилась в 1882 году в Тульской губернии, там же прошло ее детство. Среди ее предков — жена Александра Пушкина Наталья Гончарова. В 1901 году девушка поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества на скульптурное отделение. Там она знакомится со своим будущем мужем Михаилом Ларионовым. Под его влиянием она увлекается импрессионистской техникой, начинает работать в этом направлении. Она переходит в мастерскую живописи, где ее учителем становится Константин Коровин. В 1909 году ее отчисляют из училища из-за того, что она не оплатила обучение.

Гончарова посещает Париж, где знакомится с живописью Поля Гогена и увлекается фовизмом, кубизмом и примитивизмом. Первая персональная выставка в Обществе свободной эстетике оборачивается для нее арестом — Гончарову обвиняют в порнографии, правда, уже на следующий день оправдывают. 

В 1913 году проходит ее большая выставка в «Художественном салоне» на Большой Дмитровке в Москве — на ней представлено более 700 работ художницы. Она завершается выпуском первого каталога-монографии, посвящённой Гончаровой и Ларионову под редакцией Зданевича. Ее работы представляются на различных выставках в Москве, Петербурге и европейских столицах. 

Наталья Гончарова стала одной из немногих художниц, за которой велось настоящее политическое преследование. До нее статья о порнографии не применялась к работам, имеющим художественную ценность.Можно заметить сексисткий характер обвинений — автор заметки, обличающий ее в порнографии, возмущен тем, что именно женщина позволила себе нарушить моральные нормы. В 1911 году полиция потребовала убрать с выставки «Бубнового валета» картину Гончаровой «Бог плодородия», а в 1912 году против показа четырехчастного цикла «Евангелисты» на выставке «Ослиный хвост» выступила церковь. 

Наталья Гончарова «Велосипедист»
Наталья Гончарова «Велосипедист», 1913 г., Государственный Русский музей

В 1914 году арестовывают 22 картины с персональной выставки Гончаровой в петербургском «Художественном бюро» — арест санкционировал обер-прокурор Синода. Сама Гончарова так комментировала все акты цензуры, направленные против нее: «Если у меня и происходят столкновения с обществом, так только из-за непонимания последним основ искусства вообще, а не из-за моих индивидуальных особенностей, понимать которые никто не обязан». 

В 1915 году Сергей Дягилев приглашает Гончарову и Ларионова  для постоянной работы в его «Русских сезонах», и они уезжают из России. Первой работой Натальи в труппе Дягилева стала сценография оперы-балета «Золотой петушок». 

Гончарова путешествует по Европе, отдельный период ее творчества связан с Испанией. Ее работы регулярно выставлялись в парижских галереях «Осенний салон» и Салон независимых, а в июне 1931 года состоялась ее первая зарубежная выставка. В 1961 году в Лондоне была организована крупная ретроспектива работ Ларионова и Гончаровой. Еще одна большая выставка будет организована в парижском Музее современного искусства уже после ее смерти в 1962 году.